EntrevistArte, Annie Brea

En muchas ocasiones, he conocido primero la obra y después la persona  protagonista de EntrevistArte. En el caso de Annie Brea, conocí a la persona hablando sobre su arte y enseguida me parecieron muy interesantes ambos. Una técnica no muy conocida que descubrí en el Museo Arqueológico de Cacabelos, en unas importantes jornadas para mí. Creo que un trabajo tan especial merece ser más y mejor re-conocido. Annie nos cuenta cosas muy interesantes sobre su trabajo y también sobre su pasión por los viajes.

Hola Annie, hemos visto que te dedicas a un arte muy especial y poco conocido. ¿Puedes explicarnos en qué consiste exactamente?

El arte textil, como arte, es realmente poco conocido en España. Desde el inicio de los tiempos, el hombre ha utilizado las fibras para la realización de objetos o vestimentas, ha ido descubriendo nuevos materiales, nuevas técnicas y nuevas formas de utilizarlas, desde redes para pescar o ropa para vestirse, y dependiendo de su hábitat ha utilizado unos elementos u otros, el intercambio con otras culturas y civilizaciones ha ido mejorando y ampliando sus conocimientos sobre los textiles.

Hoy en día se sigue investigando y descubriendo, mejorando, reutilizando, recuperando todo tipo de materiales, para hacer textiles.

La imaginación no tiene límites, y cualquier idea que se te pueda ocurrir, la puedes plasmar en un soporte, en un lienzo, con barro, hierro, y también con textiles, con fibras, de cualquier tipo desde un fleje de un embalaje a hilo de coser. Interpretas la idea, investigas sobre los materiales que puedes usar, el leguaje que quieras dar, la técnica que vayas a usar y la realizas, el resultado puede ser sorprendente.

El arte textil abarca un amplio abanico de posibilidades y entre todas, me he concentrado actualmente en la seda, la uso como lienzo y la pinto, realmente , más que pintar, la tiño, porque aunque se utilizan pinceles, los materiales son tintes, lo que hace que permanezcan intactas las propiedades del tejido, su suavidad, su textura y su caída.

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Realmente es increíble todo lo que consigues. ¿Cómo empezaste y por qué?

¿Cómo empecé?

Quizás, sin quererlo, porque es algo que tienes dentro y un día, sin más, sale a la luz,

¿Por qué?

Porque tenía tiempo, sí, realmente esa fue la razón.

Desde siempre quería pintar, dibujar, me viene de familia, mi padre y mi abuelo pintaban y algo he heredado de ellos. Pero, acabas estudiando arquitectura técnica, no es Bellas artes, pero “el arte no da de comer” al fin y al cabo, dibujaba, con regla y paralex. El arte quedó en segundo término y como siempre tenía trabajo, era casi inexistente. Con la última crisis, el trabajo empezó a escasear y tenía tiempo, entonces en mis ratos libres, pintaba. Los materiales naturales, las telas, me fascinan, la seda me enamora, su tacto, su calidez.

Empecé con pequeños formatos, y con pintura, los tamaños fueron aumentando, me encantan los formatos grandes. Me pasé de la pintura al tinte, siempre con base al agua, no quiero usar disolvente, siempre que puedo, los evito, la naturaleza ya está bastante maltratada.

Cuando pinto, me relajo, al principio, a veces, me quedo en blanco, como la seda en el bastidor, pero poco a poco, voy viendo las formas y se me va la mano sola, tiene que ser todo muy rápido, no puedes dudar o equivocarte, no hay vuelta atrás, no puedes corregir los fallos, puedes cambiar el resultado de lo que habías planteado en un principio y terminar con un resultado distinto.

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Has vivido en varios países y según tú misma dices, estos países te inspiran en tu trabajo. ¿Hay alguno más especial que otro, algún lugar en el que es más fácil inspirarse?

He vivido en Francia y en España, y en distintas provincias, París, Orleans, Château-Thierry, en Francia, y en España, en Gerona, Barcelona, Almería y ahora vivo en León pero he viajado bastante por distintos países, en viajes, más o menos largos. Por Europa: Portugal, Inglaterra, Italia, Suiza, Alemania, Austria, Bulgaria; Por África: Egipto, Libia, Marruecos, Namibia, Bostwana, Madagascar; En América: Nueva York, República Dominica, Cuba, Costa rica, Méjico, Ecuador, Argentina, Brasil; En Asia, Rusia, Turquía Irán, Tayikistán, Kirguistán, Birmania, Tailandia, Indonesia.

Entre todos, Indonesia fue el punto de partida, en Bali donde la técnica de batik despertó en mí una afición, un sentimiento.

Todos los lugares tiene algo especial, son distintos, los colores, los olores, su luz, su gente, sus costumbres, su día a día. Son como un inmenso archivo del que vas sacando ideas, no hay uno en especial que me inspire más que otro, porque en todos se saca algo, todos tienen su particularidad, quizás en algunos países, tienen más variedad de colores que otros, no es lo mismo un paisaje nevado donde los colores predominantes son el blanco, el azul y el gris, el desierto de arena, con sus tonos ocres y azules, o el paisaje verde con inmensidad de flores, pero todos tienen matices, tonos, de todos se saca muchas ideas.

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¿Qué lugar del mundo te gustaría descubrir y todavía no lo has hecho?

Oceanía es la meta, para llegar allí tienes que cruzar todo el mundo, está en las antípodas y no tengo prisa para llegar, voy parando por el camino, sin prisa, pero sin pausa. Es un lugar que me fascina desde pequeña. Mis padres querían vivir allí. En mi dormitorio tenía en la pared un mapa de Australia. Quiero ir a Nueva Zelanda, a Tasmania, recorrer Australia de este a oeste, y de norte a sur. Impregnarme de las pinturas de los aborígenes australianos, que me parecen maravillosas.

Tu profesión no es muy frecuente, ¿a qué crees que se debe? ¿Desconocimiento, dificultad..?

El arte textil en un arte totalmente desconocido en España, y creo que es un problema de perjuicio social.

Pertenezco a una generación en la que las mujeres debíamos saber coser, bordar, por el solo hecho de ser mujer. Eta un conocimiento útil, sin más. Una anécdota, el otro día estaba bordando, haciendo un muestrario, y un conocido me dijo, “como las abuelas”, no estaba bordando ninguna mantelería para el ajuar, estaba sacando unas ideas para un muestrario. Si hubiera estado pintando o dibujando, la reacción hubiera sido distinta.

Si bordas o coses, eres como las viejas. No se reconoce el trabajo con textiles, bordar, los bolillos, no está considerado como un arte, sino más bien como una artesanía, eres un artesano, no eres un artista.

Si pintas, esculpes, haces cerámica, eres artista. Si bordas estas pasada de moda. En cambio, si asomas la nariz fuera de nuestras fronteras, ves como el arte textil existe, hay exposiciones contemporáneas y trabajos maravillosos. Se debe al desconocimiento, hay grandes artistas escondidos detrás de sus perjuicios. Hay gente muy capacitada.

Hemos visto que realizas desde pañuelos hasta vidriería textil. ¿Hasta dónde se puede llegar con la seda? 

La vidriera textil, fue un trabajo para la escuela de Arte Textil de León, debía ser de tamaño, 100×150 cm., estar realizado con materiales reciclados y que fuera un tapiz de alto lizo. Quería que fuera algo representativo de León, pensé en la catedral, y en las vidrieras. Si quería una vidriera, tenía que tener transparencias, tejer con bolsas de plástico de colores, o con papeles de celofán, claro que el vidrio era ideal, pero ¿cómo tejerlo?, y así fue como la idea pasó a materializarse.

Fue un reto, representa un trozo de una vidriera de la Catedral de León. Utilicé bolsas de celofán reutilizadas, vidrio reciclado de colores que conseguí de la vidriera, rafia para la urdimbre, y trapillo para representar el plomo. Y como no, no podía faltar seda, un paño entero de 100x 150 cm. con bámbula de seda pintada a mano. Creo que me quedó mejor de lo que esperaba, me siento orgullosa de ello.

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¿Hay conocimiento de tu disciplina artística entre el público español? ¿Qúe tipos de encargos recibes? 

No hay mucho conocimiento es esta disciplina en España, poco a poco, con la información que nos proporcionan las redes sociales, se va divulgado y la gente lo va reconociendo, dejando de tratar como una artesanía puramente y tratándola cada vez más como un arte. Me encargan piezas para algún museo como el Instituto Bíblico y Oriental de León. Reproducciones de las pinturas del Panteón de los Reyes de San Isidoro de León.

Piezas más prácticas, colchas, fundas nórdicas, tela para vestidos, fulares para complementos de vestidos para celebraciones, se puede realizar cualquier cosa, como complemento de vestuario, de decoración,

¿Qué papel juegan las Redes Sociales en la difusión de tu trabajo? ¿Qué importancia crees que tienen las redes en el arte en general? 

Las redes sociales, son “el escaparate” al mundo. Trabajo en León, y son pocos los que tienen conocimiento de lo que realmente hago, con las redes, es como si abres una ventana al mundo entero, y la gente que está interesada en el tema, te encuentra. Creo que al ser un producto muy minorista, es indispensable estar conectada con el mundo exterior.

Muchísimas gracias Annie, por enseñarnos este arte tan interesante. Un gran trabajo del que podemos conocer más cosas en la web “El taller de seda“.

Por Teresa Miquel Sellés

EntrevistArte: Abel Azcona I

Las entrevistas que aparecen en este blog son todas muy interesantes y la de hoy no es una excepción. Escuchamos a Abel Azcona, un artista conocido y desconocido a la vez. Con pros y con contras, pero de eso se trata.  Para no cortar nada de lo que nos ha contado, hemos dividido la entrevista en varios posts y  el de hoy es el primero que aparece. Ha sido un gran placer hablar con el artista y con la persona.

¿Cual es tu disciplina artística?

Me considero un artista interdisciplinar porque lo que hago es romper un poco con las disciplinas establecidas e intento mezclarlas todas. Mi base es performativa porque soy un artista que trabajo con mi cuerpo porque para mí es el recurso que más a mano tengo. Siempre digo que soy una persona hiperactiva, muchas veces me cuesta plasmar lo que pienso y lo que siento en artes “que duran más tiempo”, por ejemplo la pintura es un proceso, en cambio la performance te da respuestas inmediatas. Para mí es una disciplina ideal para personas como yo que tienen mucho que contar de una forma muy rápida y muy del momento. La performance me da la oportunidad de, a través de mi cuerpo, contar algo cuando quiero, si tengo ganas de contar algo, bajo a la calle y lo cuento, no tengo que hacer una creación tan larga como puede ser la creación de un cuadro o la creación de una escultura. Esto no quita que haya performances y trabajos performativos que tengan una creación muchísimo más larga que otras, performances mucho más momentánea y luego trabajos performativos que duran su creación un año.
Me considero interdisciplinar porque creo que lo que tiene que hacer hoy en día un artista contemporáneo ya no debe ser sólo pintor o escultor sino debe ser muchas cosas, debe ser una persona híbrida en todos los sentidos. Debemos mezclar todo, debemos mezclar fotografía, debemos mezclar escultura, debemos mezclar pintura con cuerpo y con todo. Creo que ya demos estar en la educacion, en la crítica, en la política y en todo. Creo en el artista interdisciplinar ya de base porque si no, no es arte contemporáneo.

¿Cómo preparas tus trabajos?

Trabajo sobre todo con el tema biográfico. Tengo una serie de inquietudes internas que me hacen contar cosas. Mi experiencia personal me ha hecho que por mi historia de vida, durante mi infancia ya casi adolescencia me dedicara a no contar cosas, a ocultar mi propia historia y mi propia existencia, un poco como hace esta sociedad española con todo el tema de los tabús, todo el tema de una sociedad postfranquista que tenemos todavía. Nos cuesta contar cosas y todavía seguimos teniendo muchos tabús y muchas cosas que ocultar. Un poco me pasaba eso de adolescente, entonces  tuve la oportunidad de encontrar una herramienta que era poder contar lo que yo sentía de una forma directa, con contenido y artística. Así  surgió un poco esa idea de poder contar todas esas inquietudes. Hay  performances que no dejan de ser como cuando yo voy a terapia y le cuento al psicólogo lo que me pasa , en vez de contárselo al psicólogo se lo cuento a personas mucho más cercanas a mí o de mi entorno o espectadores mismos que me pueden dar respuestas. Yo siempre digo que de alguna forma todos tenemos en este mundo un equipaje que nos pesa porque está lleno de dolor. Todos tenemos nuestras historias de dolor. Mi historia personal quizá a la gente le pueda parecer muy dura porque hay prostitución, hay abandono, hay un maltrato pero a cada uno nuestra historia es la que más nos duele.
En esta historia de dolor siempre digo que todos tenemos un equipaje y ese equipaje  que tenemos  no lo exploramos. Siempre decimos que tenemos fantasmas pero esos son fantasmas a los que no les ponemos cara. Entonces yo lo que hago con el performance es precisamente explorar ese equipaje y tengo una gran herramienta que no sólo la puedes probar solo si no que, imagínate, en una galería de arte yo abro ese equipaje delante de todo el mundo. Es gente que a ese equipaje me ayuda a entenderlo conmigo ¿porque? Porque el performance es una faceta participativa, me ayudan a entender lo que yo siento y lo que ellos sienten con mi propio proceso. Entonces llega a ser un momento en que mi propio arte, que para mí no deja de ser performance y mi arte es un arte de catarsis, pasa a ser un arte de catarsis común, una catarsis comunitaria.

¿Estás de acuerdo en que Abel Azcona o gusta mucho o no gusta?

Sí, tengo gente que es muy, muy, muy fan (cosa que tampoco  entiendo, entiendo mucho más a la gente que me critica mucho que a la gente que me trata tan “rock star”. Es algo que no entiendo en absoluto porque tampoco es mi idea ni es lo que busco). Pero creo que hoy en día eso ya no es una cosa tampoco mía sino es causa de como ha ido cambiando la sociedad y se ha ido trabajando la marca personal. Cualquier persona que más o menos consiga establecer una marca personal se la trata de una forma que no tiene ningún sentido, sea artista, sea político o sea cantante.
Respecto a la gente que me critica y me pone verde pues bueno, me parece completamente interesante, es decir, mi arte es, entre otras cosas, arte de acción y el arte de acción lo que intenta crear (por lo menos el mío) es reacción, reacción en todos los sentidos. Desde luego yo lo que hago es para romper con la asepsia mental, es decir, yo busco precisamente que en esta sociedad anestesiada rompamos con esa asepsia y que la sociedad reaccione de alguna forma. Cuando por ejemplo  se publica una noticia mía que dejó 200 comentarios de gente criticándome y poniéndome verde pues para mí es completamente satisfactorio, aunque parezca completamente absurdo. ¿Porqué? Porque está haciendo que realmente que gente que quizá no sabe de arte o sí sabe de arte (que no es algo que me interesa)  se dedica a criticar  de una forma completamente absurda porque las críticas negativas suelen ser siempre centradas en lo mismo: esto es arte, esto no es arte, este es un loco… pues bueno , no es arte y soy un loco, esto es algo que no me preocupa.
Siempre el tema de catalogar o no catalogar. Yo siempre digo que creo por generación espontánea. Que tuve esa necesidad con 16, que tuve que salir a la calle a hacerlo sin saber bien lo que hacía y alguien dijo que eso era arte, pues vale, si hoy es arte será arte pero si no,no es arte.  Algunas veces digo: vale no lo llames arte, llámalo mi mierda, hago mi mierda y soy feliz. Que llega un momento que tengo esa necesidad de crear y lo voy a seguir haciendo aunque alguien me venga y me diga que qué es, que no es… pues bueno.

Luego siempre fastidia un poco más cuando hay gente que como crítico no vale, lo que se dedica a hacer es a decir cosas como por ejemplo que me invento mi historia, para vender… pero bueno yo he expuesto mi certificado de adopción donde pone todo, tengo todo tipo de documentación. Parece que diciendo que alguien te maltrata tienes que tener una cámara para luego demostrarlo. Me parece de muy mal gusto a nivel ético y a nivel moral que alguien te venga y te diga “tú te lo has inventado para vender o para no sé qué” cuando es una experiencia de vida que es superdemostrable.

Creo que generalmente  que en el mundo del arte cuando empiezas, empiezas con mucho amor y empiezas con muchas ganas, con mucha gente, artistas amigos, todos trabajamos en común. Luego llega el momento que te sales un poco o consigues progresar un poco y ya empiezas a hacer una carrera de fondo en solitario. Esos mismos artistas con los que has estado al lado, con gestores y todo ese tipo de gente, cuando ya has salido, ya has llegado un poco más allá o has salido de un circuito quizá más casposo como es el de España (que es un circuito totalmente casposo y totalmente cerrado y dañino para el propio artista)  y ya estás en el circuito internacional y tienes la suerte, quizá como la he tenido yo,  de poder estar en museos de fuera y poder tener un circuito y poder tener una venta de obra ya alta y trabajar con buenas galerías, los  artistas con los que he colaborado y que eran amigos míos, ahora se dedican a criticar lo que hago. Llega un momento en que en España somos totalmente eso, somos amigos entre todos hasta que el amigo deja de serlo. El mundo del arte contemporáneo en España es muy complicado y realmente hay que ser una persona muy fuerte y tener una capacidad de tirar adelante sólo porque sino, estás muerto.

Por Teresa Miquel Sellés

EntrevistArte: Amelia Aguado y Oliva Cachafeiro

Hoy quiero hacer un EntrevistArte especial. Realmente no es una entrevista nueva sino una que ya hice a dos geniales personas responsables de un museo que me encantó cuando fui a visitarlo y al que espero volver en un tiempo no muy lejano: la Fundación Arellano-Alonso de Valladolid. Esta entrevista salió publicada por primera vez en BlogMuseos de Liceus el 27 de marzo de este año (podéis ver el post original en su blog aquí, junto a otro post que hice contando un poco cómo es y qué hace este magnífico museo) (1)

Y he querido que Amelia y Oliva estuvieran también en EntrevistArte porque realizan una labor magnífica en favor del arte y la cultura,  al frente de este magnífico museo que, no por ser más pequeño y menos conocido que los grandes museos nacionales, es menos importante. Además también quiero publicar hoy esta entrevista porque es un día especial. Hoy, 3 de mayo, la Fundación Arellano-Alonso cumple 10 años. Desde Impressions du monde, desde EntrevistArte…Muy feliz Aniversario!!!! … Y que cumplas muchos más!!!!!

Sois un museo muy joven aunque ya con una trayectoria de casi 10 años. ¿Cómo analizáis su evolución? ¿Cambios más importantes desde sus inicios?

La Fundación cumple precisamente este mes de mayo su décimo aniversario. Durante los dos primeros años no estábamos en ella ni Amelia ni yo, pero sabemos que fueron complicados. Se trataba de una institución nueva, ajena a la Universidad e incluso a Valladolid y con unas colecciones peculiares. Esos dos primero años fueron los de organizar todo: gestión administrativa, personal, distribución de funciones… También fue el momento en el que se decidió qué piezas se iban a exponer en función del espacio disponible (entonces dos salas del palacio de Santa Cruz) y se llevó a cabo el diseño expositivo y montaje. Empieza también la difusión de las colecciones y de las actividades que se organizaban, dentro de los pocos medios (sobre todo humanos) con que se contaban.
A partir del segundo año, nos incorporamos de forma permanente dos personas. Esto hizo que el trabajo pudiera incrementarse y se fuera afianzando. Se elaboró un proyecto museográfico y se puso en marcha un programa educativo que siempre se ha considerado fundamental (y que continúa y se refuerza constantemente). Con el tiempo la colaboración con las distintas administraciones (Ayuntamiento fundamentalmente, Diputación y Junta de Castilla y León), con otros museos locales y, más recientemente, de otros puntos de la Comunidad, han permitido realizar iniciativas más ambiciosas que nos han dado a conocer más en la ciudad, fuera del ámbito exclusivamente universitario.
En cuanto a las colecciones, desde el año 2009 se decidió apostar más decididamente por lo que más nos identifica: el arte africano. Así, si en 2004 el Salón de Rectores acogía las terracotas africanas y la Sala Renacimiento parte de la colección de arte contemporáneo, desde entonces los dos espacios se han dedicado a escultura de África subsahariana. En 2012 se incorporó además una tercera sala, la denominada de San Ambrosio, en la que se exhibe la última incorporación a la colección: el reino de Oku, con objetos totalmente diferentes en cuanto a materiales y usos y de un pueblo “vivo”, lo que permite hacer un recorrido por toda las historia de África negra, desde varios siglos antes de Cristo hasta la actualidad.
Otro cambio importante ha sido la posibilidad de contar, desde el año pasado, con alumnos de la UVA en prácticas. Ellos nos permiten ayudarles a conocer cómo es el trabajo real en un museo y a la vez son imprescindibles para poner en marcha iniciativas que de otra forma, al no ser más que tres personas en plantilla, no podríamos relaizar.

Su origen se basa en la donación de un fondo privado. Esta manera de empezar ¿hace más fácil su recorrido o por el contrario provoca una obligada adaptación que no tienen otros museos?

Efectivamente el origen del museo es la donación a la Fundación Arellano Alonso y a la Universidad de Valladolid, realizada en 2004 por el matrimonio compuesto por Ana Alonso y Alberto Jiménez-Arellano. La colección estaba por tanto ya formada y cerrada (aunque ha habido alguna incorporación nueva a lo largo de estos años). Esta circunstancia supone que el trabajo de “crear” la colección (buscar, seleccionar….) ya está hecho. Pero al mismo tiempo nos limita porque tenemos que trabajar con lo que hay y a veces nos encontramos con algunas lagunas (culturas, épocas…), que sería interesante que estuvieran representadas. En cualquier caso los fondos son lo suficientemente amplios como para tener diferentes opciones con lo que disponemos.

El arte africano es una oferta peculiar en España. Creo que sólo hay otro museo dedicado al arte africano y está situado en Madrid. ¿Qué dificultades habéis encontrado durante estos años para dar a conocer este arte?

El primer problema es romper la barrera mental que hace que muchas personas piensen que lo que van a ver es algo raro y sin interés. Piensan que no tendrá mucho valor porque desgraciadamente los prejuicios siguen existiendo. Afortunadamente cuando salen de las salas su opinión es totalmente distinta, al descubrir la belleza, la creatividad y el alto grado de desarrollo de la multitud de culturas tradicionales que vivieron en África.
Otro problema es luchar contra la etiqueta de que somos un museo universitario. El hecho de estar ubicados además dentro de un edificio histórico, sede del Rectorado, hace que a veces muchas personas piensen que sólo los vinculados a la Universidad pueden entrar o que es un centro que por su formación ellos no van a “entender”. También está ahí la labor de la Universidad y de la Fundación que intentamos acabar con esa idea: acercar la institución al ciudadano y que la considere suya y accesible, para eso está nuestra labor de intermediación.

Estáis inscritos en el ámbito de la Universidad de Valladolid. ¿Cómo empezó esta relación? ¿Qué posibilidades os ofrece?

Pues en realidad la relación concretamente con la Universidad de Valladolid es casual. Los señores Arellano Alonso querían ceder su colección a alguna institución que no se limitara a conservar o exhibir las piezas, sino que tuviera un componente científico que permitiera además estudiar las obras, realizar publicaciones, cursos de formación…, es decir, la difusión de la cultura africana en general con garantías de calidad y seriedad. En esta búsqueda una persona conocida les puso en contacto con el entonces Vicerrector de Extensión Universitaria, Mario Bedera, y tanto a él como al Rector, Jesús Mª Sanz Serna, les pareció que el ofrecimiento de donación de la colección a la Universidad de Valladolid era un proyecto muy interesante que no se podía dejar pasar.
El hecho de estar adscrita a esta Universidad nos ofrece muchas ventajas. Por un lado el respaldo público de la misma y además la posibilidad de colaborar con las distintas Facultades o Departamentos a la hora de organizar proyectos conjuntos. Y por supuesto también el contacto con otros centros universitarios tanto nacionales como extranjeros.

Realizáis muchas y variadas actividades durante todo el año y para todos los públicos. ¿Qué aspectos son los que tenéis más en cuenta a la hora de programar estas actividades? ¿Cómo captáis la atención del público más joven?

El objetivo fundamental es que todas las actividades tienen como fin último el conocimiento de la cultura africana, de su historia, sus tradiciones, su forma de vida, su arte, etc. Por eso organizamos actividades formativas propiamente dichas (dirigidas tanto a universitarios como a público interesado en general) y otras en las que se incorpora más el elemento lúdico, pero como un recurso para lograr el objetivo final de la formación y la difusión de valores. Por ejemplo los conciertos, en los que evidentemente los asistentes van a disfrutar de la música, pero que también van a descubrir la música que hace “el otro”, a conocer cómo se comunica a través de ella. Cuidamos especialmente a los niños, ofreciéndoles visitas y talleres en los que aprenden de forma divertida, pero con contenidos serios. Ellos mismos van descubriendo, son los protagonistas de su aprendizaje, así lo disfrutan más, perdura más y se acercan al museo como un espacio en el que pueden disfrutar aprendiendo y sorprendiéndose con cosas nuevas.
En cuanto al público “más joven”, no sé si te refieres a los adolescentes. En este caso, son uno de nuestros objetivos. Normalmente vienen como público cautivo, con su instituto, pero adaptamos los contenidos y las visitas a sus intereses y descubren también que no se aburren en un museo, que también pueden disfrutar. Sin embargo, tenemos pendiente la realización de actividades específicas para ellos. Como todos decimos, son el público más difícil de atraer y estamos pensando utilizar las redes sociales como medio para contactar con ellos. Es uno de nuestros proyectos más inmediatos.

También participáis en actos organizados por otras instituciones. ¿Qué nivel de conocimiento y participación tiene la población de Valladolid en vuestro museo? ¿Y la del resto de España?

En cuanto a la participación en actividades depende mucho de a quién estén dirigidas. Todo lo relacionado con los niños tiene una respuesta estupenda y estamos empezando a organizar visitas familiares porque hemos tenido un par de experiencias y han dado buen resultado. En el caso de los adultos lo que funciona muy bien son las visitas guiadas rematadas con una cata dirigida. También tiene muy buen resultado cualquier actividad musical o de danza africana.
Sobre los visitantes, la mayoría son de Valladolid y cuando llegan los períodos vacacionales se incluyen los del resto de Castilla y León. Durante todo el año es permanente y predominante la llegada de visitantes de Madrid (la cercanía que permite el AVE es fundamental); les siguen los visitantes catalanes y, sobre todo en verano, hay muchos procedentes de Andalucía.
Y en cuanto a los extranjeros, siempre predominan los franceses. Seguramente el hecho de que para ellos este tipo de arte, al haber sido una gran potencia colonial es más familiar, hace que se animen a visitarnos. Les siguen los ingleses y luego se reparten entre italianos, americanos o de diversos países de América Latina. No obstante, el hecho de esta vinculados a la Universidad hace que a veces nos visiten también estudiantes de lugares muy lejanos y diversos: China, Japón, Rusia, Brasil, etc.

Sois un museo muy dinámico y organizáis eventos y actividades junto con otros museos. Un ejemplo fue “La poesía es cuento”, proyecto realizado junto con el Museo Casa Lis y el Museo del Libro. ¿Qué os aportan estas colaboraciones?

En la actualidad trabajar en red es fundamental. Por un lado esto permite el intercambio de experiencias entre los propios trabajadores, pero también se da a los visitantes la posibilidad de conocer piezas de otros centros y también de verlas en contextos distintos a los habituales, creándose interrelaciones entre ellas que generan nuevos significados.
Además estas colaboraciones hacen posible optimizar los recursos, en una época en la que una única institución tal vez no podría asumir en solitario la organización de ciertos eventos o actividades.

Con todo esto podemos ver que sois un museo muy abierto. Trasladando este aspecto al mundo 2.0, ¿Qué importancia tienen para vosotros las redes sociales? ¿Qué beneficios aportan a la Fundación?

La incorporación del museo a las RR.SS. en realidad es reciente, más o menos año y medio. Pero hemos comprobado que es un medio muy eficaz para por un lado difundir actividades, pero no solo eso. Permiten el intercambio de opiniones con las personas que nos siguen, quienes preguntan o comentan nuestras entradas. Esa interacción es muy importante y uno de nuestros objetivos.
También han hecho posible establecer nuevos contactos con otras instituciones o personas que pueden llegar luego a transformarse en colaboraciones y creación de nuevos proyectos o simplemente en debates o intercambios de ideas que nos ayudan a conocer cosas nuevas y a mejorar en todos los ámbitos de nuestro trabajo.
Como te comenté más arriba, estamos intentado buscar las fórmulas para utilizarlas además como un medio para lograr acercarnos más a los visitantes más jóvenes.

Relacionado con la pregunta anterior, ¿Cómo gestionáis vuestras redes? ¿Tenéis pensado ampliarlas, utilizar otras posibilidades como aplicaciones propias, realidad aumentada…?

La gestión la realizamos nosotras mismas, aunque si contamos con algún alumno en prácticas (sobre todo de Periodismo). Le encargamos también estas tareas bajo nuestra supervisión.
Utilizamos fundamentalmente la web, Facebook y Twitter. Nuestro siguiente paso es incrementar el uso de Instagram y de Pinterest.
Lo de elaborar apps propias de momento no parece posible debido a las limitaciones económicas, y lo mismo ocurre con la realidad aumentada.

Y por último, ¿proyectos para este 2014?

Este año es especial para la Fundación, al conmemorarse el décimo aniversario. Por eso estamos organizando una programación que se extenderá durante todo el año, pero que se concentrará en el mes de mayo, puesto que la creación de la Fundación tuvo lugar el 4 de ese mes. Las actividades educativas tendrán un peso importante, así como la incorporación de nuevos materiales didácticos interactivos, que se suman a las hojas de sala que acabamos de introducir en las salas.

También va a ser muy especial el mes de marzo, pues vamos a participar por primera vez en el Festival Miradas de Mujer. Esto nos permitirá poner en valor la parte de la colección dedicada al arte contemporáneo, que debido a la falta de espacio, no puede estar expuesta. Serán actividades bastante novedosas en relación con lo que habitualmente se hace en la Universidad, así que van a sorprender a los que están acostumbrados a relacionarnos sólo con el arte contemporáneo.

Por otra parte, está previsto el préstamo de piezas para exposiciones temporales en distintos lugares de España, lo que ayudará también a difundir y dar a conocer la Fundación.

Y por supuesto las RR.SS seguirán siendo fundamentales y les daremos prioridad con el diseño también de una nueva web.

 

 

Por Teresa Miquel Sellés

 

“Fundación Jimenez Arellano-Alonso UVA (Valladolid) II: entrevista con Oliva Cachafeiro y Amelia Aguado” por Teresa Miquel Selles en @BlogMuseo se encuentra bajo una Licencia Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivatives 4.0 Internacional.
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