Congrés de Turisme Cultural, UIB. Storify

Aquests dies s’ha celebrat a la Universitat de les Illes Balears, a Palma, el I Congrés Internacional de Turisme Cultural. Ha estat un èxit de participació i amb ponències molt interessants.

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La meva primera intenció era fer  un resum del que ha estat aquest congrés però lamentablement no he pogut assistir a totes les sessions, per tant no podria fer un resum complet.

Però he pensat en una altra manera de mostrar un poc el que ha estat aquest interessant congrés, ajudada de les possibilitats de les xarxes socials. El congrés té perfil a twitter ( @TurismeCultural ) i a través d’un hastag (#citc) els participants podien publicar els seus comentaris a la xarxa.

Doncs gràcies a aquest hastag podem conèixer el que ha estat aquest esdeveniment cultural. Per això he realitzat un Storify amb la recopilació de tots els tuits publicats durant la celebració del congrés, informació que pot resultar molt interessant i útil per conèixer com s’ha desenvolupat tot el congrés . Hem de donar l’enhorabona a l’equip investigador, dirigit per Sebastià Serra i a la pròpia UIB per organitzar actes com aquest. Esperem que sigui el primer de molts!

Si feis click en el següent enllaç, podreu veure l’ Storify amb els tuits publicats al Congrés de Turisme Cultural, celebrat a Palma, del 19 al 21 de febrer.

EntrevistArte: Pepe Zapata

Una de las satisfacciones con las que volví de las Jornadas de Marketing de las Artes  organizadas por Asimétrica y celebradas en Madrid el pasado octubre, fue conocer en persona a grandes cracks de la cultura, a los que sólo conocía virtualmente, en la red.

Uno de esos grandes fue Pepe Zapata. Me encantó lo que nos contó en su ponencia y, sobre todo, cómo lo contó, transmitiendo su entusiasmo a todos los asistentes. Asombrándonos con Roberto Carlos y José Luís Perales captó enseguida la atención del público y con #DANCINGHAPPYPEOPLE  ya no pudimos hacer otra cosa más que disfrutar de sus palabras hasta el final. Los verdaderos cracks … es lo que tienen.

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De izquierda a derecha: Lorena Álvarez, Carlota Álvarez, Pepe Zapata y Raúl Ramos. IV Marketing de Artes

Y otra enorme satisfacción es poder entrevistar a este crack y compartir sus geniales palabras, son para leer atentamente y reflexionar.

Actor, Director de márketing y comunicación del Mercat de les Flors, docente, ponente, gestor cultural, socio y consultor de Teknecultura, community manager, experto en públicos de la cultura, danza, incluso has colaborado con Ferrán Adrià en la Fundación Alícia. Enorme currículum. ¿Tienes predilección por algo o cada cosa tiene su tiempo?

“Culo de mal asiento”, sí. Surfeando en el desorden controlado. Recuerdo que Ferran (Adrià) insistía: “Pon orden tú, que el anárquico debo ser yo”. Precisamente, si algo aprendí de él fue su capacidad de planificación y programación, por tenerlo todo previsto, por pensar en plan B, C… y Z, así como su obsesión por dejar registro y constancia de todo.

Lo que más me preocupa realmente es tener tiempo de calidad para aprender (y reaprender) y para compartir momentos con la familia. Es cuestión de ser positivo y posibilista. Y de tener una compañera de viaje maravillosa. Ah, y la suerte de dormir pocas horas. Aunque no soy culé precisamente, me encanta lo de “Si nos levantamos bien pronto, bien pronto…” de Herr Pep.

foto: Universitat de Barcelona
imagen: Universitat de Barcelona

Hablando con diferentes profesionales de la cultura coinciden en decir que ésta siempre está en crisis. ¿Estás de acuerdo? ¿La crisis provoca más creatividad?

Sin querer parecer provocador, me encanta la crisis como concepto, entendida como oportunidad para innovar, para crear, para optimizar recursos. Aunque no debería ser así, puesto que innovación, creatividad… han de ser constantes siempre presentes en nuestro trabajo. En cualquier caso, lo que me parece intolerable es que algunos se aprovechen descaradamente de la situación de crisis para hacer saltar por los aires proyectos culturales construidos tras mucho esfuerzo.

No sé si vivimos en un estado de crisis eterno, pero lo que está claro es que te obliga a estar siempre alerta. A mantener una escucha activa a lo que pasa, a las tendencias… y a darte cuenta de que lo de la sociedad líquida de Bauman se aproxima bastante a la realidad. Cambian los modelos, cambian los paradigmas, cambian los interlocutores, cambian los intermediarios. Cambio constante, sí.

Nos quejamos de que no hay subvenciones de la administración pero ¿Tal vez dependíamos demasiado de la financiación pública?

Lo que tenemos que exigir a los poderes públicos es que con nuestros impuestos podamos tener acceso a la cultura. Ese es nuestro derecho. La cultura, como se proclamó en las protestas contra la subida del IVA, no debe ser ningún lujo. Otra cosa es que haya experiencias culturales que tengan un alto valor, o un alto precio, o un precio de lujo. Pero la cultura siempre deber ser accesible.

Pero hagamos también autocrítica desde el sector. El problema ha sido vivir excesivamente de la subvención pública. Debe primarse favorecer proyectos a medio y largo plazo, trayectorias artísticas y profesionales que dejen poso. Y, por otro lado, evitar que las administraciones públicas pierdan el oremus por la piedra, por el pabellón, por el mausoleo… en lugar de primar el contenido, la propuesta, el provocar que haya ciudadanos críticos.

foto: Universitat de Barcelona
imagen: Universitat de Barcelona

Algunos de tus proyectos están muy relacionados con la Danza ¿Qué tiene la danza que no tienen otras artes? ¿Y porqué crees que es una de las actividades culturales a las que menos asiste el público? Según estadísticas del Ministerio de Cultura tan sólo el 6’1% acude a espectáculos de danza.

El problema fundamental es de educación. Es paradójico que una actividad que se fundamenta en la expresión a través del movimiento del cuerpo, que es lo que hacemos los humanos a lo largo de toda nuestra existencia de manera constante e inconsciente, y que está omnipresente en nuestro día a día, no tenga una presencia clara y significativa en los planes de estudio.

¡Pero si aprender a moverse, a expresarse con el cuerpo, es la base de la comunicación! Es mucho más natural de lo que nos imaginamos. Y además utiliza un lenguaje universal, como la música, que permite ser disfrutado y compartido independientemente de tu origen, de tu lengua. Es cuestión de sentir, más que de entender.

Por eso es prioritario el trabajo con los públicos. Estar cerca de las comunidades que pueden generarse en torno a la danza es fundamental. Y establecer una comunicación directa, honesta, interesante, relevante, consistente, coherente.

Hay que propiciar el descubrimiento. Generar primeras experiencias en los públicos, e intentar que esas experiencias sean positivas, memorables. Hacerles partícipes de los procesos creativos. La recepción del espectador es mucho más rica y enriquecedora si existe una relación emocional antes, durante y después de un espectáculo.

Tuve la suerte de escucharte en directo en Marketing de las Artes 14, hablando de fidelización de públicos en cultura, márketing y comunicación. ¿Cómo debemos dirigirnos al público para que se interese por la cultura? Y también ¿Crees que escuchamos lo suficiente? 

Comienzo por el final. La escucha activa es una de las claves de cualquier estrategia de marketing. Nuestra orientación han de ser los públicos, de manera descarada. El trabajo de los responsables de marketing y comunicación debe ser, precisamente, conocerlos, analizarlos, estar siempre atentos, preguntarles, empatizar con sus necesidades, deseos y sueños, obsesionarnos por ellos. Aprender a ampliar su experiencia como usuarios.

Siempre digo que relacionarnos con los públicos es como reaprender a ligar, si es que alguna vez supimos cómo. Interesémonos en primer lugar por lo que les preocupa, atendamos sus peticiones, y hablemos con ellos de lo que les interesa. A partir de ahí, establezcamos un relato común, conjunto y compartido, con contenidos realmente relevantes, que les permita ver que nuestro proyecto cultural puede formar parte de sus comunidades, de sus universos compartidos. Encontremos, en definitiva, vínculos, entretengamos, seamos originales, seduzcamos…

Pepe Zapata durante su ponencia en IV Marketing de Artes
Pepe Zapata durante su ponencia en IV Marketing de Artes

Crowdfunding, microteatro, arte urbano, arte en espacios alternativos… ¿crees que han venido para quedarse o cuando mejoren las cosas (esperemos) querremos hacer otra vez grandes cosas en grandes espacios más habituales?

Aparecen en un momento de recesión económica, puesto que los recursos son escasos. Pero también en una coyuntura social en que se hace necesaria la personalización del servicio, la relación directa entre creador y público, la participación en el proceso, y el empoderamiento de los ciudadanos. Creo que es sano que aparezcan nuevos modelos de relación, de participación, nuevas ópticas sobre cómo debe entenderse esa relación.

Imagino que convivirán los microteatros con los grandes teatros de ópera, los conciertos en terrazas particulares con los festivales multitudinarios, las muestras en centros cívicos y las grandes exposiciones. Debe haber espacio para todo. El enemigo común, al fin y al cabo, es la indolencia, el pensamiento único. Y la cultura del sofá.

Y para terminar, ¿cómo puede ayudar la web 2.0 y 3.0 y las redes sociales a la Cultura? ¿Cómo crees que se desarrollará esta relación en un futuro?

Normalizando. No pensemos en si la comunicación es x.0 o no. Todo es comunicación, online y offline. Web y redes sociales son canales. Importantes, significativos. Pero canales al fin y al cabo. La tecnología es una absoluta commodity. La fuerza está en las comunidades que pueda haber detrás de dichos canales. Las redes sociales permiten una comunicación abierta, democrática, global, compartida, multidireccional.

Seguro que viviremos intentos e inventos de hacer converger los nuevos paradigmas comunicacionales con propuestas artísticas. Participaremos en interacciones originales, pero de nuevo la importancia estará en lo que Peter Brook proclamaba en “El espació vacío”: un hombre camina sobre un espacio vacío mientras alguien le mira; eso es todo lo que se necesita para que tenga lugar un acto artístico”.

Muchas gracias por tus palabras y tu tiempo Pepe. Un placer y un honor tenerte en este blog! 

Podéis leer y ver la ponencia de Pepe Zapata en la IV Conferencia de Marketing de las Artes aquí

Por Teresa Miquel Sellés

 

EntrevistArte: Paula Cabaleiro

Y para acabar esta primera etapa de entrevistas, una genial y gran persona que compatibiliza sus labores de artista con otras muchas relacionadas con el arte y la gestión cultural.  Es la última artista dentro del fantástico elenco de artistas en el EntrevistArte incluído en el Festival Miradas de Mujeres pero no es la última. En cierta manera ha estado presente en todos estos posts por ser una de las almas del Festival y por personificar en cierta manera su filosofía: las posibilidades y presencia de las mujeres en cualquier disciplina artística. Con una capacidad de trabajo impresionante y una confianza y alegría contagiosa en todo lo que hace, provoca un sentimiento de optimismo hacia el futuro, en el arte y en la cultura en general.

Eres artista, gestora, organizadora, impulsora, colaboradora… ¿Con cual de estas actividades te identificas más?

Comencé siendo pintora hace unos 10 años, cuando comenzaba Bellas Artes en la Facultad…una licenciatura, dos másters, una galería, una feria y muchos comisariados y proyectos culturales después, ya no sé muy bien lo que soy (jajaja). Muchos amigos me denominan “agitadora cultural”. Me quedo con ese término maravilloso, ya que aúna todos mis objetivos: dinamizar, difundir, crecer, crear y construir a través del arte.

¿Qué tiene el arte contemporáneo que no tienen los anteriores? ¿Es verdad que o se ama o se odia?

Mayor complejidad. Complejidad de formatos, discursos, medios, disciplinas, maneras de hacer, de montar, de dialogar. Es cierto que entre bastidores, en el making off de una exposición, durante la producción de un proyecto, entre estrés y emoción, tengo casi jurado… “jamás vuelvo a meterme en otra así”. Tras la inauguracion, con las sonrisas de los artistas, las obras comunicando, el público descubriendo, la reconciliación se efectüa. Una y otra vez. Amo esta riqueza del arte contemporáneo por encima de todo. Me enseña cada día lo mucho que me falta por aprender. Y esa es la mejor de las perspectivas.

Participas en muchas iniciativas artísticas por gran parte del territorio español. ¿Cómo haces para poder hacerlo todo y “no morir en el intento”?

Esta pregunta me la hacen (demasiado) a menudo…jajaja. Estoy empezando a preocuparme! Bromas aparte, duermo muy poco. Por insomnio. Y por exceso de trabajo. Aunque la clave para mí es la constancia, el esfuerzo y las ganas de crecer profesionalmente. Mi hiperactivismo cultural es adictivo, estoy tramando proyectos mientras desayuno, mientras camino por la calle, mientras visito una exposición. Pero problablemente el “germen” de mi modo de gestionar cultura es la gente con la que colaboro. Un encuentro con un artista o gestor es suficiente para plantar una semilla.

¿Qué te aporta tu trabajo?

Pues en este punto debería decir que Paula Cabaleiro no sería la misma persona sin su labor de artista y de gestora. Mi trabajo me ha hecho madurar pronto, crecer en curiosidad y ganar en confianza. Creación y gestión; menciono ambas. La gestión es mi pasión. Me alimenta, me hace crecer cada día, me ha llevado a conocer personas y lugares maravillosos. Pero la creación me aporta el equilibrio. Me frena, me obliga a reflexionar, a ejecutar, a manufacturar. Crear me hace gestionar de forma más humana.

¿Hasta qué punto es importante el público en el momento de creación del artista?

Creo que eso depende mucho del artista. A título personal, cuando creo trato de comunicar. La experiencia (sea la que pretendía previamente o no) es aquello que el espectador se lleva acasa, es lo que completa la obra, le otorga un sentido. Es más, soy una artista muy permeable a estímulos procedentes del público, de colaboradores, de opiniones de amigos, familia…hasta el punto que pueden modificar el proceso de una obra.

Eres directora del Festival Miradas de Mujeres en Galicia y participas en este Festival en otras regiones. ¿Encuentras diferencias en la acogida que recibe? ¿Cómo ayudan a las mujeres artistas estos festivales?

Charlando con varias directoras regionales del festival sí que notamos ciertas diferencias en la acogida, teniendo en cuenta la permeabilidad de las instituciones hacia proyectos relativos a cuestiones de género. Todavía el feminismo levanta ampollas en 2014.

En Galicia, me encontré una comunidad donde se desconocía Miradas de Mujeres. Sólo una sede había formado parte en la anterior edición, La Sala Normal, porque su comisaria en ese momento propuso la participación. Fue un trabajo intenso, de muchas reuniones, pero muy gratificante. Las sedes mostraron mucho interés en formar parte de una red de actividades tan rica, variada y extensa.

Eres una artista con importante presencia en redes sociales. ¿Crees que son importantes para la difusión de artistas y obras? ¿Crees que sus posibilidad son bien conocidas por los profesionales del arte?

Para mí son fundamentales. Me ayudan a dar alcance a mis propuestas, a contagiar de forma vírica una convocatoria, a conocer artistas, proyectos e instituciones… En definitiva, a compartir. Creo que muchos artistas y gestores no utilizan las RRSS con eficacia, no gestionan bien sus cuentas y contenido y/o no entienden su importancia o alcance. Pero cada vez más personas se dan cuenta de su gran utilidad.

Hace poco pudimos ver una obra tuya increíble, Aprendo a ser Vestido. ¿Papel como fragilidad o fragilidad como fuerza?

Aprendo a ser Vestido es ambas. Fuerza y fragilidad convergen en un material que me sorprende cada día: el papel de patronaje. Soporta el cosido, altas y bajas temperaturas, la transferencia y el transporte entre exposiciones. Esta instalación nació para el Museo Pazo de Tor (Red Museística de Lugo) al ser seleccionado y financiado en la convocatoria Diálogos na Rede de Deputación de Lugo. En este “pazo”, lugar cargado de simbología e historia, los trajes se presentaban en el Salón Norte, la parte pública del edificio, donde el matrimonio señor del pazo “era ante el otro”. A modo de duelo, espalda contra espalda, con 5 metros de separación, se alzaban sobre dos maniquís casi a punto de enzarzarse en una batalla. Pero al mismo tiempo, sus colas (del vestido y de la levita) se prolongaban uniéndose, reestableciendo el vínculo. Era una analogía en clave historicista de lo que es y fue la situación entre sexos en la sociedad. Hoy se haya en el Museo Arqueológico de Cacabelos, compartiendo espacio con la maravillosa muestra Ahora, nosotras.

Imagina que puedes pedir tres deseos relacionados con tu trabajo o con el Arte en general ¿Qué pedirías?

Es complejo…Mmm. Lo puedo resumir en las siguientes ideas: seguir creciendo como profesional y persona, seguir disfrutando con mi trabajo y hacer desde aquí: Galicia. Contribuir en la construcción del tejido cultural gallego sería todo un honor para mí.

¿Puedes hablarnos de proyectos futuros?

Pues puedo anticipar algunar “argalladas”… Pronto saldrá la 2ª convocatoria de participación de la feria de arte Cuarto Público , estoy trabajando ya con Silvia Blanco para que en julio celebremos en II Encuentro en Red en el Museo Arqueológico de Cacabelos, y la exposición Artistas En Red tendrá una segunda parte en Ponferrada…además de varios “enredos” con la Red Museística de Lugo y algunas otras instituciones gallegas, que si queréis saber tendréis que descubrir en mis perfiles RRSS, jajaja. En fin, al final…todo es una estrategia!

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